• イツァーク・パールマンのドイツ・グラモフォンへの最初の録音であり、小澤征爾指揮ボストン交響楽団という最高の共演者を得た代表的名盤。イツァーク・パールマンのヴァイオリンは豊かな表情を湛え、魅力あふれたこの作品を存分に弾き込んでおり、特段に美しい響きを聴かせる。

• イツァーク・パールマンのドイツ・グラモフォンへの最初の録音であり、小澤征爾指揮ボストン交響楽団という最高の共演者を得た代表的名盤。イツァーク・パールマンのヴァイオリンは豊かな表情を湛え、魅力あふれたこの作品を存分に弾き込んでおり、特段に美しい響きを聴かせる。超高音の音程の正確なこと。一つ一つの音が、どんなに難所でも、はっきりと、きらびやかに鳴っています。ヴァイオリニストにとっての難曲の一つであり、超絶的な技巧を要する曲であるのだが、 パールマンは、決して技巧のみを全面に打ち出してはいない。ベルクが同曲に込めた人生の寂寥感や絶望などを、実に清澄な美しい音色で描いて行くが、表面的な美しさにとどまらず、同曲に込められた深い内容を掘り下げていこうという真摯なアプローチが素晴らしい。それでいて、卓越した技量にはいささかの不足はなく、このような現代音楽を得意とした小澤＆ボストン交響楽団も、これ以上は求め得ないほどの最高のパフォーマンスを示している。
• イツァーク・パールマンは彼が22歳の時に録音した最初のコンチェルト・グループ ― チャイコフスキー、シベリウス、プロコフィエフのヴァイオリン協奏曲第2番 ー の入れなおしを完了した時、これらの初録音を未熟だと思っていると言っていた。パールマンほどの名手になると、若き日の録音はそれなりに価値があり、一人の偉大なアーティストの成長の軌跡をたどることの出来る貴重なドキュメントというべきだろう。パールマンは13歳の時、エド・サリヴァン・TVショーのゲストに招かれて、渡米して研鑽けんさんを深めるきっかけを掴んだが、このレコードの発売当時、彼は自己を語っている。『ぼくは、ぼくが13歳で信じがたいほどの驚異的天才であったとは信じていない。OK、ぼくは才能に恵まれてはいたが、アブノーマルな天才じゃなかったな ― 天才とは、良かれ悪しかれ、アブノーマルなもんでしょう。ぼくの場合には、それは健全な才能だったし、ぼくの生活からかけ離れたものじゃなかった（グラモフォン誌 '81年9月号）』クライスラーとハイフェッツのレパートリーを現代に更新し充足しうるヴァイオリニストと言ったら、パールマンを措いて他にないだろう、と期待が大きかった時代を邂逅できるレコード。全ての音程は完璧に制御され、徹底的な美音、暖かで繊細・豊麗な歌い回し等が彼の演奏の特徴である。レパートリーは極めて広く、協奏曲・ソナタのみならず、フリッツ・クライスラーなどの小品集でも高い評価を受ける。また純粋クラシック音楽以外の分野も手がけ、ユダヤの民族音楽を歌ったものやスコット・ジョプリンのラグタイム集などの演奏等の業績も見られる。パールマンが弾く楽器は、かつてフランスのヴァイオリニスト、エミール・ソーレが所有していたグァルネリ・デル・ジェスの「ソーレ（ Sauret , 1740-1744 ）」と、パールマンが23歳の時にメニューヒンに弾かせてもらい恋に落ちた楽器で、「もし手放す気になった時には是非僕に売ってください」とお願いしていた。メニューヒンより購入した、ストラディヴァリウスの黄金期に類される1714年製「ソイル（ Soil ）」を1986年から使用している。
• 絶頂期のパールマンと小澤＆ボストン交響楽団の組み合わせによる、20世紀音楽を代表するヴァイオリン協奏曲のカップリング。晦渋なベルクをひたすら美しく弾くパールマン、きびきびとした伴奏でサポートする小澤、録音も素晴らしいのでおすすめの一枚。

• 親しかった少女への追悼であると同時に、ベルク自身へのレクイエム曲。

• 20世紀クラシック音楽を代表するヴァイオリン協奏曲の名曲。第2次世界大戦が苛烈になり、数多い悲劇を起こし始めた頃に作曲された。新ウィーン楽派の一員として、シェーンベルク、ヴェーベルンと共に活躍したオーストリアの作曲家、アルバン・マリア・ヨハネス・ベルク（1885.2.9〜1935.12.24）は、裕福な商人の家庭に生まれた、文学や演劇に関心を持った少年でしたが、15歳から独学で作曲の勉強を開始し、歌曲などを書いています。この頃、恋愛事件によって自殺未遂まで追い詰められるなど、きわめて多感だったベルクでしたが、シェーンベルクとの出会いによって、作曲家として身を立てることを決意したのも同じ頃のことでした。師のシェーンベルクのもと、ヴェーベルンが未来を志向したと言われるのに対し、ベルクは過去と密接に繋がって、無調や十二音の作品でさえ後期ロマン派的で濃密な気配を感じさせたのがポイント。マーラー風の音楽をシェーンベルク的な語法で要約したかのような印象的な作品となりました。代表作のひとつであるヴァイオリン協奏曲には「ある天使の思い出に」（Dem Andenken eines Engels）の献辞が付されている。この曲は、ヴァイオリニストのルイス・クラスナーによって依嘱されたものですが ― ベルクはヴァイオリンの曲は十分に書いたと考えていたし、何より、「ルル」というオペラの作曲中だった為その依頼を受けるかどうか迷った。当時ベルクは、ナチス政権の締め付けによって経済的な問題をかかえていた。しかし、クライナーの提示した報酬が1,500ドルと高額だったため、引き受けることに決めたとも伝わっている。
• ベルクがヴァイオリン協奏曲の構想を練り始めて間もない頃、アルマ・マーラー（作曲家マーラー未亡人）がヴァルター・グロピウスともうけた娘マノン・グロピウスが小児麻痺で急逝したことを聞く。たった18歳の若さであった。マノンを大変かわいがっていたベルクにとって、彼女の死は辛いものだった。
• • 《調性音楽の残滓ざんし ― ヴァイオリン協奏曲「ある天使の想い出に」》
  • バロック音楽時代後期に、ヴィヴァルディが創始した急緩急の3楽章構成の独奏協奏曲concerto soloが習慣だった伝統を破り、この協奏曲は2楽章構成で成り立っている。宇宙の始まりような密やかな序奏で始まり、ヴァイオリンのソロは純粋無垢、穢れをしらないマノンを象徴しているようである。優雅に、愛らしく、マノンの姿を描きながら曲は進み、ウィーンのワルツ風の音楽が現れる。遠くでは、オーストリアのケルンテン州という地方思わせるように、とベルクが楽譜の中に記述している民謡「スモモの木で一羽の鳥が」(Ein Vogel auf'm Zwetschenbaum)が聞こえている。ケルンテンはベルクとマノンが初めて出会った場所なのだ。羽が生えてふわふわ飛翔するようなフレーズが幻想的なのだが、ヴァイオリン・ソロとオーケストラがバラバラに存在しているように、旋律らしいものは浮かんでは、沈みを繰り返すばかり。
  • この曲を支配する12音技法の手法所以ですが、熊本地震を体験して改めて聞くこのレコードは愛着を深めさせるものになった。12音音楽はもともと調性の束縛から逃れるためのものであったのにも関わらず、アルバン・ベルクがこの曲で提示している12音音列は、長調と短調、そして全音音階をミックスさせた、あえて調性音楽の残滓を残すものだ。それが、この曲が12音音楽でありつつも、私たちに親しみを感じさせ、何度も再演されるような人気の曲にした理由の1つではないかと思う。初めて聴いた時から、心地よさを説明できないものでしたが、災害や病気の悲しみより、先のはっきりしない不安が曲を聴いた時の感銘を違える曲ではないか。
  • なおも無邪気にワルツを踊ろうとするマノンを病魔がとうとう捉えると、ヨハン・ゼバスティアン・バッハのカンタータ第60番「おお永遠よ、汝雷の言葉よ」（O Ewigkeit, du Donnerwort）にも使われていたので、ベルクはこれがバッハの作品だと思っていたコラール（第5曲）が厳かに美しく奏でられる。バッハのカンタータのなかでも受難曲に近い独創性を感じさせる、マタイによる福音書第9章18～26節 「会堂司の娘がイエスによって生き返る」という場面です。このフランツ・ヨアヒム・ブルマイスターによるコラールの歌詞は、ベルクの楽譜にも書き込まれている。「もう十分です。主よ、どうか私に休息を与えてください。私のイエス様がいらっしゃる、この世界よ、さようなら、苦しみはこの世に残して心やすらかに、私は天国へと旅立ちます。もう十分です。」遠くから再び、ケルンテンの懐かしい歌のメロディーが聞こえてくる。すると穏やかに、この世の思い出を馳せるように。「もう十分ですEs ist genug」と、ヴァイオリンで一段と高く、今一度そう呟かれると、よろよろと音は降下し、ぷつり、と不自然に途切れ終わる。
• この協奏曲を「ある天使の想い出にDem Andenken eines Engels」と題して親しかった少女の死を悼んだレクイエムであると同時に、自らの死を予感した自伝的作品にもなった。何より、「ルル」というオペラの作曲続行を中断してまで書き終えた。その結果、作曲直後にベルク自身も亡くなり、これがベルクの最後の作品となり、したがって作曲中だった「ルル」は未完に終わった。
• もう一方の、ストラヴィンスキーのヴァイオリン協奏曲は、ベルクに比べると、暗いトンネルを抜けた明るさが持ち味の曲であるが、こちらも内容重視のパールマンのアプローチや小澤＆ボストン交響楽団の好パフォーマンスには変わりがない。20世紀を代表する2つのヴァイオリン協奏曲ともに、ヴァイオリニスト、指揮者、オーケストラの三拍子が揃った名演だ。

• 《小澤征爾Seiji Ozawaの音楽武者修行》
• 1935年、中国のシャンヤン(旧奉天)生まれ。幼いころからピアノを学び、成城学園中学校を経て、桐朋学園で齋藤秀雄に指揮を学んだ。
• 1959年、ブザンソン指揮者コンクールで第1位を獲得。当時ボストン交響楽団の音楽監督であり、このコンクールの審査員であったシャルル・ミュンシュに翌夏タングルウッド音楽祭に招かれた。その後、ヘルベルト・フォン・カラヤン、レナード・バーンスタインに師事、ニューヨーク・フィルハーモニック副指揮者、シカゴ交響楽団ラヴィニア・フェスティバル音楽監督、トロント交響楽団音楽監督、サン・フランシスコ交響楽団音楽監督を経て1973年にボストン交響楽団の第13代音楽監督に就任、アメリカのオーケストラ史上でも異例の29年という長期にわたって務めた。
  ボストン響の音楽監督としてオーケストラの評価を国際的にも高め、1976年のヨーロッパ公演および1978年3月の日本公演で多大の成果を挙げる。1981年3月には、楽団創立100周年を記念して、アメリカ14都市演奏旅行を果たし、同年秋には、日本、フランス、ドイツ、オーストリア、イギリスを回る世界公演を実施。その後も1984年、1988年、1991年にヨーロッパ公演と198年、1989年、1994年、1999年には日本公演を行い、いずれも絶賛 を博す。
• 1978年には、中国政府の公式招待により、中国中央楽団と1週間にわたって活動したのをはじめ、1年後の1979年3月にはアメリカのオーケストラとしては初めてボストン響を率いて再度訪中し、意義深い音楽・文化交流を果たした。それ以来、中国とは深い関係を築いている。他にも、1973年6月にはサン・フランシスコ響を率いて、ソビエト連邦当時のモスクワを訪れ、ムスティスラフ・ロストロポーヴィチと共演している。
• 2002年秋には、東洋人初のウィーン国立歌劇場の音楽監督に就任、2010年春まで務めた。
• 欧米での評価と人気は絶大なものがあり、これまでにベルリン・フィルハーモニー管弦楽団、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団をはじめとする多くのオーケストラ、ウィーン国立歌劇場、パリ・オペラ座、ミラノ・スカラ座、フィレンツェ歌劇場、メトロポリタン・オペラなど主要オペラハウスに出演している。
• 日本においては、恩師・齋藤秀雄を偲び、没後10年の1984年に、秋山和慶らの仲間に声を掛け、メモリアル・コンサートを東京と大阪で開催。それを母体としてサイトウ・キネン・オーケストラへと発展させ、1987年、1989年、1990年にはヨーロッパ公演を、1991年にはヨーロッパ、アメリカ公演を行い絶賛を博した。1992年からは、芸術的念願であった国際的音楽祭〝サイトウ・キネン・フェスティバル松本〟へと発展させ、総監督に就任（心不全で亡くなるまで継続した）。その後もサイトウ・キネン・オーケストラは、1994年、1997年、2001年、2004年、2010年、2011年に海外ツアーを実施。フェスティバルは、2015年より、〝セイジ・オザワ 松本フェスティバル〟として新たなステージに踏み出した。
• また、1996年にサイトウ・キネンの室内楽勉強会から始まった室内楽アカデミー奥志賀を、アジア圏の優秀な学生に門戸をひろげる小澤国際室内楽アカデミー奥志賀として2011年にNPO法人化。一方で、実践を通して若い音楽家を育成するための〝小澤征爾音楽塾オペラ・プロジェクト〟（2000年〜）、および〝小澤征爾音楽塾オーケストラ・プロジェクト〟（2009年〜）を公益財団法人ローム ミュージック ファンデーションの支援を受けて精力的に展開。2005年にはヨーロッパにおける音楽学生を対象にしたSeiji Ozawa International Academy Switzerlandをスイスに設立し、教育活動に力を注いでいる。その他、水戸室内管弦楽団とは1990年の創立時より親密な関係にあり、2013年からは同楽団の総監督を務めると共に水戸芸術館 館長も務めている。さらに、新日本フィルハーモニー交響楽団とは創立に携わり、長期にわたり活動を続けた。
• これまでに国内外で受賞した賞には、朝日賞（1985）、米国ハーバード大学名誉博士号（2000）、オーストリア勲一等 十字勲章（2002）、毎日芸術賞（2003）、サントリー音楽賞（2003）、フランス・ソルボンヌ大学名誉博士号（2004）、ウィーン国立歌劇場名誉会員（2007）、フランス・レジオン・ドヌール勲章オフィシエ（2008）、フランス芸術アカデミー外国人会員（2008）、日本国文化勲章（2008）、イタリア・プレミオ・ガリレ2000財団・金百合賞（2008）、ウィーン・フィルより日本人として初めて「名誉団員」の称号（2010）、高松宮殿下記念世界文化賞（2011）、渡邉暁雄音楽基金特別賞（2011）、ケネディ・センター名誉賞（2015）などがある。2016年、サイトウ・キネン・フェスティバル松本 2013で録音された小澤征爾指揮サイトウ・キネン・オーケストラによるラヴェル:歌劇「こどもと魔法」のアルバムが、第58回グラミー賞最優秀オペラ録音賞を受賞。同年、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団名誉団員、東京都名誉都民の称号を贈られる。2022年3月、日本芸術院会員に選ばれた。

幸福と孤独を抱えたパイオニア。その足跡。

• 小澤征爾は一度だけ辞任を考えたことがあると自伝「私の履歴書」に書いている。
• タングルウッド音楽祭の講習会を改革した時だ。40年に当時の音楽監督セルゲイ・クーセヴィツキーが創設した際はボストン交響楽団の楽員が講師だった。なのに私的なつながりでポストが占められるようになり、僕の時代には一層ひどくなった。教える能力より人間関係が優先された。1997年、思い切って講師を全員辞めさせ、ボストン響の楽員を代わりに選んだ。僕の決断を「ニューヨーク・タイムズ」は痛烈に批判した。「失敗したら音楽監督は辞めるべきだな」と覚悟を決めた。この時、「セイジが正しい」とボストン響の理事たちを説得に来てくれたのが、ヴァイオリンのアイザック・スターン、イツァーク・パールマン、チェロのヨーヨー・マ、ピアノのピーター・ゼルキンらだ。ほとんどの理事と楽員の支持も得られた。在任中、僕は楽員の待遇をいつも気にかけていた。根底には日フィル（日本フィルハーモニー交響楽団）分裂時の苦い教訓がある。ストライキだけは絶対に避けたかった。理事長のネルソン・ダーリンに頼み、楽員の給料を上げてもらった。オーケストラとしては珍しく、彼は遺族年金の制度まで作ってくれた。
• 閑話休題、ヨーロッパで活躍してきた指揮者が、アメリカのオーケストラでレコード録音をするためにスタジオで思い通りに吹かない奏者に口説いくらい熱心にリハーサルをして、翌日いざ本録音は安心だ、と指揮棒を振り上げたら初めての顔が並んでいたという、こぼれ話が有る。ヨーロッパはまず書類選考があり、通った人のみオーケストラが招待状を出す方式だけど、アメリカは広くチャンスを与えるようになっているようだ。
• アメリカには〝League of American Orchestras〟という、労働組合と解釈して良い組織がある。ここは毎年全米のオーケストラの待遇一覧表を発行していて、最低賃金はもちろん、1週間のリハーサル数と本番数、年間の労働週、個人年金などの福利厚生はもとより、さらにはツアーに出た時は一人部屋かどうかなどまでオーケストラ毎に、こと細かく比較してある。文化芸術の創造活動に望ましい 雇用形態・労働環境とは何か。
• アメリカにはオーケストラという文化芸術の世界でも「成果主義」を導入しようという動きがある。2015年3月にCNNに発表された世界のオーケストラ・ランキングではニューヨーク・フィルハーモニックが一番だが、やはりビッグ6（ニューヨーク、フィラデルフィア、ボストン、クリーブランド、シカゴ、ロサンジェルス）とメトロポリタン歌劇場のオーケストラの賃金は高かった。ただ金額では若干ニューヨーク・フィルに劣るけれど、周りの物価が安いから全米一待遇の良いオーケストラはクリーブランド管弦楽団という説が有力。金管奏者に言わせると、全米のオーケストラでも随一の美味しいポジションはシカゴ交響楽団の第3トランペットだとか。というのも第3トランペットまで必要な曲は少ないから、ソロ活動をしていてもシカゴ響楽団員としての最低賃金は保証されている。

• 小澤らしさとは ― 〝メロディーとリズムの微妙なせめぎ合い〟は殆ど感じられない、工芸品の美しさ。

• 小澤征爾は2002年、ボストン交響楽団の音楽監督を離れた。就任から29年。アメリカのオーケストラの音楽監督として最も長い在籍期間だ。小澤は38歳の若さで1973年にボストン響の音楽監督に就任します。以来、その演奏は国際的なレーベル、ドイツ・グラモフォンから発売されるようになり、しかもこの国際的なレーベルから、その演奏が発売された日本人指揮者では小澤が初めてのことでした。大きなオーケストラに唯一人対峙する指揮者。欧米の名門オーケストラを若いうちから指揮する機会に恵まれたのは、小澤征爾が物珍しい東洋人であったからだろう。NHK交響楽団や日本フィルハーモニー交響楽団との事件は彼の指揮者として目指していくスタイルを確信させた。「世界のオザワ」がはじめて持った、「自分のオーケストラ」はトロント交響楽団で、1965年秋に音楽監督に就任した。欧米の名門オーケストラを若いうちから指揮する機会に恵まれたのは、小澤が物珍しい東洋人であったからだろう。遡ること、レナード・バーンスタインがニューヨーク・フィルハーモニックの音楽監督と成っていた1960年。小澤はバーンスタインとパーティーで会うと、街に連れ出され、飲み明かした。明るくスマートでアクも少なく、リズムの扱いもていねいで好感が持てる。小澤には知らされていなかったが、この時点で彼をニューヨーク・フィルの副指揮者にすることが内定していた。このオーケストラは翌1961年4月下旬に日本公演を予定しており、話題作りとして日本人を起用してみようと考えたらしい。 欧米のクラシック音楽の中心にはドイツ音楽精神が根強い。小澤の得意のレパートリーは何か、何と言ってもフランス音楽、そしてこれに次ぐのがロシア音楽ということになるだろうか。それは近年の松本でのフェスティバルでもフランス音楽がプログラムの核であることでも貫かれている。ロシア音楽について言えば、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーの後期3大交響曲やバレエ音楽、セルゲイ・プロコフィエフの交響曲やバレエ音楽、そしてイーゴリ・ストラヴィンスキーのバレエ音楽など、極めて水準の高い名演を成し遂げていることからしても、小澤がいかにロシア音楽を深く愛するとともに得意としているのかがわかるというものだ。小澤が着任した時のボストン響は、どちらかと言えばきれいで色彩豊かな音を出していた。かつての音楽監督シャルル・ミュンシュやよく客演していたピエール・モントゥーらフランス人指揮者の影響だろう。その代わり、ドイツ的な重みのある音楽はあまり得意じゃなかったように思う。しかし小澤自身はドイツ系の音楽もしっかりやりたい。例えばヨハネス・ブラームス、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン、アントン・ブルックナー、グスタフ・マーラー。あるいはやはり重みが必要なチャイコフスキーやアントニン・ドヴォルザークもやりたかった。そこで重くて暗い音が出るように、弦楽器は弓に圧力をかけて芯まで鳴らす弾き方に変えた。だけど小澤が就任した時のコンサートマスターのジョセフ・シルヴァースタイン ― その後、彼は指揮者となり成功している。 ― はそういう音を嫌がり、途中で辞めてしまう。それでも辛抱強く時間をかけて、ボストン響はドイツの音楽もちゃんと鳴らせるようになった。それでいてエクトル・ベルリオーズの「幻想交響曲」といったフランス物も素晴らしい演奏ができる。フランスの洗練とドイツの重み、両面を持つ良いオーケストラになった。「メロディーとリズムの微妙なせめぎ合い」は殆ど感じられない、工芸品の美しさに人種の息吹を知るといったふうに小澤らしさとは、メロディーを奏するソロ奏者の手足を縛ったストイックさにこそあるといえる。1970年代に小澤がドイツ・グラモフォンに録音したベルリオーズの劇的音楽、モーリス・ラヴェル、ガブリエル・フォーレのフランス管弦楽曲、ロシア音楽のクロード・ドビュッシー、プロコフィエフ、ストラヴィンスキーやオットリーノ・レスピーギの20世紀の音楽作品は、アグレッシヴで瑞々しい感性を持ち合わせていた頃の小澤征爾の芸風を知るにも恰好の一枚です。